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Etiqueta: Nilo Gallego

  • PLIEGOS60 | Carlos Marquerie: Entre las luces y las sombras: libertad

    PRIMER MOVIMIENTO

    La gran luz, o el descenso a los abismos acompañado de una extraña figura mitad mujer mitad hombre

    I

    Esa luz cegadora
    acaso envuelva de falsedad nuestros actos
    y así nos impida ver
    esas otras pequeñas luces diseminadas en la oscuridad.
    Esa luz quizá nos aleje
    de lo que necesitamos;
    de lo que queremos;
    y de lo que intuimos, nos es difícil expresar y quisiéramos conocer.
    Esta luz tal vez engendre
    apariencias que nos deslumbran,
    y esas apariencias perviertan nuestra relación con las cosas que nos rodean.
    Cuánto placer perdido por no conocer todo eso,
    que aun estando ahí
    con tanta luz, siempre pasa desapercibido.

    Parece que vivamos en un espejismo sin saberlo.

    Así estoy,
    en la encrucijada
    perdido,
    entre luces deslumbrado
    y acechado por las dudas
    como Dante lo fue por las fieras.
    Y ahí estas tú,
    mitad hombre mitad mujer,
    más ángel que demonio,
    más deseo que certeza.

    [Y al sentir mi mirada,
    tu cuello se erizó y tus parpados ocultaron
    ese instante en que la mirada se vuelve reveladora.
    Imaginé unos pezones diminutos,
    fuertes y dorados;
    mis entrañas ardieron
    y el ángel se oscureció.
    Luego, transcurridos unos instantes, te revolviste
    produciendo un aire que me envolvió en tu intenso olor,
    y a ciegas sentí
    como turbada pasabas junto a mí].

    Y así comenzamos este viaje
    mi guía y yo
    con rumbo incierto
    y miedo por el destino
    huyendo de la luz,
    tras un rastro de sombra
    en la esperanza de ver,
    esos pequeños reflejos
    que son aliento de vida.

    © Texto: Carlos Marquerie

    Entre las luces y las sombras: libertad se estrenó el 6 de marzo de 2014 en el marco del programa Intermitencias del asombro, comisariado por Ana Buitrago, dentro de la exposición Escenarios del cuerpo: La metamorfosis de Loïe Fuller, presentada en La Casa Encendida entre el 7 de febrero y el 4 de mayo de 2014.
    En escena: Miguel Ángel Altet, Elena Córdoba, Oscar Dasi, María José Pire y Getsemaní de San Marcos. Música y sonido en directo: Nilo Gallego. Equipo técnico: Roberto Bardinelli, David Benito, Félix Garma. Realización del traje: Beatriz Marquerie, Roberto Bardinelli y David Benito. Texto, espacio escénico, iluminación y dirección: Carlos Marquerie. Una obra producida por Compañía Lucas Cranach, La Casa Encendida y Teatro Pradillo.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-65-4
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS59 | Elena Córdoba: Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera

    1
    PENSAMIENTOS DE UNA BAILARINA QUE COMPRENDIÓ EL RITMO CUANDO MIRÓ UN CADÁVER
    La desaparición del ritmo es la muerte. Yo me di cuenta de esto mirando un cadáver, mirando un cuerpo en el que el latido ya no existía. Desde que lo vi con mis ojos de bailarina romántica que nunca hizo caso al ritmo, le tengo mucho respeto. Desde que vi la ausencia de todo ritmo dibujado en el cadáver quiero acercarme al ritmo, quiero entenderlo y quiero entregarle mi cuerpo y mis movimientos para que los siga bañando en la vida.

    Por eso quiero ser una obstinada célula del corazón y no parar de contraerme con un ritmo sostenido.

    […]

    2
    PENSAMIENTOS DE UNA BAILARINA QUE COMPRENDIÓ EL MOVIMIENTO DESPUÉS DE MIRAR UN CADÁVER
    Desde hace años busco, a través de mi trabajo, acercarme a la carne, a ese misterio de que todo lo que somos sea algo blando y poco estable como es la carne, de que todo lo que somos sea algo sensual y corruptible como es ella. Después de mirar detenidamente un cadáver debía acercarme a la carne viva y a la carne muerta. No tenía escapatoria.

    Pero como soy una obstinada célula del corazón, la única forma que tengo de acercarme a lo muerto es latiendo.

    Y como soy una obstinada célula del corazón, para acercarme a lo muerto, me repito un verso del poeta Valente: ceniza tú, yo sangre.

    […]

    Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera es una aproximación al latido y a su ausencia, a lo vivo y a lo muerto, que forma parte del ciclo Anatomía Poética iniciado en 2008, un proyecto de creación y estudio sobre el interior del cuerpo, la historia de la anatomía y sus posibles desarrollos poéticos y coreográficos. Se ha creado al amparo del Teatro Pradillo y con el apoyo de la Comunidad de Madrid.

    El tejido de esta obra se ha ido construyendo a través de mi diálogo con Cristóbal Pera, Oscar Dasí y Jaime Conde-Salazar. En el proceso me acompañan además Katsunori Nishimura y Nilo Gallego.

    En este volumen de Pliegos de Teatro y Danza quedan recogidos dos textos escritos para acompañar mi trabajo en torno al latido y su ausencia. Podría decir que son la cristalización de dos años marcados por una obsesión: la comprensión de lo vivo después de haber observado el cuerpo muerto. El primero de ellos lo leí en diciembre de 2013 en el Teatro Pradillo dentro del ciclo La música en la escena, proyecto desarrollado por el Colectivo maDam y Claudia Faci. El segundo es la columna vertebral de la pieza de escena presentada también en el Teatro Pradillo entre los días 9 y 19 de octubre de 2014.

    Soy una obstinada célula del corazón y no dejaré de contraerme hasta que me muera, creación de la coreógrafa y bailarina Elena Córdoba, se estrenó en el Teatro Pradillo de Madrid el 9 de octubre de 2014. En escena: Elena Córdoba (artista residente del Teatro Pradillo). Luz: Carlos Marquerie.

    © Elena Córdoba

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-64-7
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS57 | La tristura: El sur de Europa. Días de amor difíciles

    Fragmento

    Allí, esas tres islas pequeñas, están colocadas de tal forma que, cuando los barcos pasan entre ellas, se dice que los navegantes se tiran al mar. Que se lanzan desesperados, pierden la razón y mueren en el agua. La forma en la que están colocadas esas islas en el mar hace que los ruidos de los animales marinos, los gritos de las gaviotas y el ruido de los otros barcos se conviertan en algo que cualquiera podría identificar como el canto de una sirena. Es un efecto similar al de los teatros griegos, el sonido se multiplica en diferentes armónicos y los navegantes, muchos, se dice que se tiran al mar. Y se supone que se tiran, no porque las sirenas canten bien, sino porque ese canto imperfecto, agudo, extraño, que escucha el navegante, le obliga; le moviliza a saber más, a buscar la fuente misma de ese sonido. Y, bueno, se dice que las primeras voces que escuchamos, la primera voz de nuestra madre cuando estamos dentro de la tripa, se parece al sonido de las sirenas, porque es un sonido anterior al vocabulario, atravesado por los líquidos y por el agua. Y cuando te escuché en el teléfono después de tanto tiempo tuve la sensación de que siempre he seguido tu voz. Y cuando me has llamado siempre he ido. Cuando escuché tu voz pensé que eso era el hilo de toda nuestra vida juntos, que de alguna manera cuando escuchaba tu voz siempre he ido a buscar la fuente de ese sonido. Siempre he ido a buscarte.

    El sur de Europa. Días de amor difíciles, pieza de La tristura, se estrenó en febrero de 2013 dentro del festival Escena Contemporánea 2013. Este Pliego de Teatro y Danza se publica con motivo del ciclo «La tristura 2004-2014» en el Teatro Pradillo de Madrid, en enero de 2014.

    En escena: Rafa Alberola, Itsaso Arana, Chiara Bersani, Javier Calvo, Nilo Gallego, Violeta Gil, Celso Giménez y Pablo Gisbert. Diseño de iluminación: Eduardo Vizuete. Arte: Ana Muñiz.

    © Textos: La tristura

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-60-9
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS49 | Carlos Fernández López: 10.000 años

    Fragmento

    El hombre
    La mujer joven
    El pintor
    El hombre de negro

    La casa, se puede ver desde aquí, empapada por la lluvia,
    rezumando óxido y olor a madera podrida.
    Es una casa marrón, junto a un lago.

    La escena es un camino que baja desde lo alto de una loma y se acerca a la casa.
    Hay que hacerlo despacio, como quien se acerca a un animal herido y tendido, agonizando y respirando con dificultad.

    La noche se está echando encima
    y una oscuridad azulada dibuja los contornos de las cosas
    y resalta la presencia metálica del lago.

    Esa es la casa, iluminada por dentro,
    sombras inquietas que aparecen y desaparecen en las ventanas.

    Nos acercamos
    y a medida que lo hacemos podemos ver la tierra levantada,
    llena de grandes agujeros, grúas y palas excavadoras, camiones cargados de tierra.
    Y unos hombres cubiertos con trajes de plástico, corriendo de un lado a otro,
    gritando y escupiendo.

    Nos acercamos.
    Y podemos intuir el fuego dentro de la casa,
    el fuego como única fuente de luz y calor,
    que entristece los rostros de todos los que están dentro,
    que agranda las manchas en las paredes de madera,
    y las hace parecer pústulas del tiempo.

    La escena es un cuadro inmenso de una casa marrón junto a un lago
    y la noche llegando vertiginosa.

    © Texto: Carlos Fernández López

    © Fotos: Susana Paiva

    10.000 años se estrenó los días 8 y 9 de agosto de 2008 en el festival Citemor (Montemor-o-Velho, Portugal), con texto y dirección escénica de Carlos Fernández López, dirección musical de Nilo Gallego, intérpretes y músicos Elena Alonso, Miguel Ángel Altet, Enrique Castro, Ikerne Giménez, Sara Martín y Emilio Tomé.

    [ 10.000 años es la historia de una demolición. Asistimos al último acto de la vida de un hombre desahuciado física y mentalmente. La casa en la que vive desde hace años va a ser destruida y su último deseo es desaparecer con ella y en ella, bajo los escombros. Varias personas le acompañan en su última noche, preparados para darle una buena fiesta de despedida, con música, alcohol y fuego para purificarlo todo. Con la historia de la destrucción bíblica de la ciudad de Jericó como fondo alegórico, 10.000 años es una narración musical cuyo relato gira en torno a los recuerdos y la demolición de la memoria. Las voces de los personajes se tejen con el sonido de los instrumentos, creando un poema escénico-musical en el que la palabra y la música son los elementos principales, antídotos contra la destrucción de la memoria y contra la muerte. En 10.000 años se habla de la memoria como un espacio intangible de habitabilidad y convivencia. De los recuerdos como piedras frágiles que edifican el pasado y el presente, desfigurados por el tiempo, la acumulación de imágenes, el ruido, los sentimientos. ]

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-51-7
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS25 | Carlos Fernández López: Todo es distinto de como tú piensas

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    Dadme vida, me dijo una vez Falstaff, dadme vida.
    Y el hijo de la gran puta me lo decía
    mientras se llenaba los bolsillos de todo lo que robaba,
    mientras cogía prestado el sitio que correspondía a los desgraciados, a los lisiados,
    sobornando el pensamiento de todos.
    Riéndose de la muerte con la boca bien abierta.
    Shakespeare se inventó una risa sin dientes, una risa sin cabeza,
    sin huesos, sin carne,
    sólo la proyección de un deseo
    y yo me la creo como me creo mi cara cuando me miro al espejo,
    tal cual.
    Es una risa que resuena detrás de mi cabeza
    algunas veces.
    Me miro en el espejo y tengo un pequeño diálogo
    con el doble que me acompaña de toda la vida.
    Le miro y le digo:
    Tienes que tomar decisiones para vivir mejor.
    Para tener un trabajo mejor.
    Una vida sexual mejor.
    Una familia mejor.
    Unas relaciones sociales mejores.
    Me miro en el espejo y pienso y me creo lo que pienso:
    Que me voy a construir una vida inmejorable.
    Y me voy tan contento.

    © Carlos Fernández López

    Todo es distinto de como tú piensas, Premio Casa de América-Festival Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora 2005, se estrenó en La Fundición de Bilbao el 21 y 22 de enero de 2006, con texto y dirección de Carlos Fernández López, con los intérpretes Miguel Ángel Altet, Quique Castro y Emilio Tomé, espacio sonoro de Nilo Gallego y espacio escénico e iluminación de Carlos Marquerie.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-25-8
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS22 | Rodrigo García: Cruda, vuelta y vuelta, al punto, chamuscada

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    En El gatopardo, Burt Lancaster está sentado con la mirada clavada en un grupo de jovencitas en una fiesta. Juegan como tontas y bailan y ríen. Y es bastante voluptuoso todo. El viejo mira, desolado. No ocurre nada más, que yo recuerde ahora.

    Es el retrato más fiel que he visto de la decrepitud. Y todo está narrado en un gran plano general. Sin necesidad de acercarse a nadie, de subrayar nada, de exagerar. Pensé -y sigo pensando- en la dificultad que lleva narrar tanto, empleando tan poco. Me reconcilié con la fuerza de las ideas. Y sobre todo, pensé en lo saludable que resultaría vivir al límite y reventar mañana mismo y esmerarme en que no se note demasiado.

    Morir sin hacer aspavientos, como merece toda vida.

    © Rodrigo García

    Cruda, vuelta y vuelta, al punto, chamuscada se estrenó el 14 de junio de 2007 en el Espacio Fonseca de Salamanca (III Festival Internacional de las Artes de Castilla y León). Texto, espacio escénico y dirección de Rodrigo García. Iluminación: Carlos Marquerie. Películas: Chus Domínguez y Daniel Iturbe. Proyecciones: Ramón Diago. Sonido: Nilo Gallego. Dirección técnica: Ferdy Esparza. Asistente de dirección: John Romão. Fotografía: Jean Benoît Ugeox. Intérpretes: Juan Loriente y “murgueros” de Buenos Aires.

    Producción delegada: Festival d’Avignon. Producción Buenos Aires: Felicitas Luna. Coproduction: Festival d’Avignon, Festival international de las Artes de Castilla y León (Salamanca), Festival de Atenas, Fondazione Musica per Roma, Festival Internazionale di Villa Adriana. Con la ayuda del programa Cultura (2007-2013) de la Unión Europea y de Onda.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-22-7
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS18 | Lola Jiménez: Hubo gente antes y habrá gente después | Qué importa que no sean estos ojos

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    «Todo va y viene, una y otra vez. La mano que borda una caricia ininterrumpida,
    el cuerpo en una convulsión sin destino, el movimiento de los labios que cristaliza en un sonido gutural.
    Todo va y todo viene siempre igual».
    Tadeusz Kantor

    «De cómo la fragilidad que somos empaña nuestro rostro
    del tiempo que toma un rostro en convertirse en tránsito
    de la invención que somos al tratar de vivir a conciencia
    de cada exceso celebrado o temido
    asoma la muerte a tu rosto de hoy»
    Montse Penela

    «Y los ojos
    -qué importa que no sean estos ojos-
    te seguirán a donde vayas, fieles»
    Ángel González

    Encuentros, sueños, dudas,
    desperdicios, basura, barbarie,
    sutileza, ceguera, palabras…
    No te duermas ahora,
    no te quedes dormida, aquí, ahora
    No te quedes ahí, desconfiada, desconcertada…
    Recuerdos, huellas, regresos,
    abrazos, lágrimas, ausencia…
    Caídas, señales, golpes,
    desorden, risas, silencio, ecos…

    © Lola Jiménez

    Hubo gente antes y habrá gente después es una videocreación de Lola Jiménez. Creación y cámara: Lola Jiménez. Edición de imagen: Ruth Moreno y Javier Marquerie (Buonafedes). Voces en off: Carmen Hernández, Raquel Alonso y Estrella de la Fuente. Colaboración: El hueco del ojo y UVI (La Inesperada). Agradecimientos: Chicho Campillo y Lorenzo Almeida. Dedicado a Karim.

    Qué importa que no sean estos ojos es un solo de danza creado e interpretado por Lola Jiménez. Edición de sonido: Nilo Gallego, Edición de imagen: Aurora Ramón y Elena Quintana. Diseño de iluminación: Carlos Marquerie. Colaboración: El hueco del ojo, Aula de Danza de Alcalá de Henares, La Casa Encendida y El Canto de la Cabra. Agradecimientos: Josué Naval, Lengua Blanca, Montse Penela, Patricia Lamas, Jorge Horno, Nines Martín, Lari Jiménez, Mónica Valenciano, Rolando San Martín y Carlos Fernández.

    Ambas obras se presentaron juntas por primera vez en El Canto de la Cabra (Madrid), 4 de mayo de 2006.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-17-3
    COMPRAR
    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera