AFLERA

  • PLIEGOS55 | Carlos Sarrió: Nunca debimos empezar por ahí

    Fragmento

    Elisa siempre llora en el restaurante ruso. No sabemos si llora en todos los restaurantes rusos. Pero en el restaurante ruso que está en la Plaza de la Paja siempre lo hace. Es lo que nos explicó cuando comíamos allí y al final de la comida, mientras hablábamos de la infancia de nuestros padres, rompía a llorar y mientras lo hacía nos contaba que la primera vez que estuvo, ante lo cual dedujimos que esa vez era la segunda, también lloró. Y en esa primera vez, recordaba con voz entrecortada, lo hacía sin motivo aparente. Quizás la camarera rusa, la música rusa, la tristeza rusa, la comida rusa, el vodka ruso… No sabemos. Y es que las personas vamos siempre cargadas con nuestro llanto allí donde estemos. Tratamos de no usarlo. Como si hacerlo fuera el último recurso. Como si llorar fuera la prueba de que no hay nada que hacer con el asunto. Como si llorar fuera la muestra palpable de nuestra impotencia. Y puede que ciertamente así sea. Y lo que me pregunto es que por qué no lo hacemos más. Lo de llorar, quiero decir. No queremos mostrar nuestra impotencia. Es difícil mirar a alguien que llora sin hacerlo tú también. Y me vienen a la cabeza las imágenes de la tele en que aparecen esas mujeres llorando de desesperación porque han perdido algún hijo, en cualquiera de esas guerras interminables que cuidamos con tanto esmero para que no acaben. No puedo… es difícil mantener la mirada, es difícil no llorar con ellas. Y es que se me ocurren muchas razones para echarnos a llorar y no parar. Y se me ocurre que podíamos quedar todos a alguna hora concreta y echarnos a llorar, no de impotencia, sino de rabia. Y llorar y llorar y no parar de hacerlo. No sé cuántos litros de llanto puede generar una persona (lo miraré en Internet), pero lo suyo sería gastarlos todos. Todos a la vez. Llorar hasta deshidratarnos.

    © Carlos Sarrió

    Nunca debimos empezar por ahí se estrenó el sábado 23 de noviembre de 2013 en La Nave de Cambaleo (Aranjuez, Madrid). Intérpretes: Antonio Sarrió, Begoña Crespo, Eva Blanco, Julio C. García y Carlos Sarrió. Video en escena y diseño gráfico: David Ruiz. Elementos escénicos: Pablo Almeida y Gonzalo Buznego. Técnico: Francisco Ruiz. Texto y dirección: Carlos Sarrió.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-57-9
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS54 | Itxaso Corral Arrieta: El cráneo roto y la entraña recién nacida temblando

    FRAGMENTO II

    Salgo a la terraza.
    El sol calienta muy fuerte.
    Paro
    y el sol toca mi piel.
    Brazos. Pies. Cabeza. Cara.
    Cuello.
    Y paro.
    No puedo hacer otra cosa.
    Esta superioridad del sol me pone en mi sitio.
    No hay muchas cosas tan importantes como el sol.
    Mi cuerpo se rinde ante él. Mi mente ha desaparecido.
    Creo que acabo de entender
    miles de años de adoraciones al astro rey,
    dios sol.
    Aunque se me olvidará rápido.
    Quema mi piel.
    No me necesita.
    No hay nada más que decir. Ni hacer.
    Astro rey. Dios sol.
    No es misticismo.
    Es la puta aplastante realidad de la luz, del calor, de la piel.
    La aplastante realidad de los tamaños, las dimensiones.
    Esa bola gigante ardiendo, dando vida.

    Nota de la autora

    Este texto y su presentación en público constituyen un nuevo intento desesperado de presencia, comunicación y vínculo, que puede tener lugar gracias al tiempo, la respiración, el afecto, la vibración, el poderío vital y el buen trato de Óscar Bueno Rodríguez, Diana Delgado-Ureña, Óscar Dasí, Carlos Marquerie, María García Vera y Arantxa Arrieta Gutiérrez.

    Parte de los textos incluidos en este Pliego fueron escritos entre las nieves caídas sobre Lasierra, Álava, durante los días que pasé en Azala, espacio de creación, invitada en el proyecto Topo.

    Algunos de los textos vienen de este año 2013 en el que aprendí la traición.

    Otros vienen del infinito y más atrás.

    Y los que quedan, de cuando en una Asturias de lluvias extraordinarias, me di cuenta de la sal, compré el primer cerebro y le canté.

    Dar las gracias es importante. La amabilidad y el agradecimiento son para mí potencia, acción y posibilidad. Así que gracias a todos los que me dais instantes de buen trato y me acompañáis. Y muchas gracias a ti por leerme, y entonces, inevitablemente, acompañarme también.

    © Texto e imágenes: Itxaso Corral Arrieta

    El cráneo roto y la entraña recién nacida temblando, de Itxaso Corral Arrieta, se estrenó el 13 de diciembre de 2013 en el Teatro Pradillo de Madrid.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-58-6
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS53 | Rodrigo García: Daisy

    Nota del autor

    En esta monumental obra aparece cada noche el filósofo Gottfried Leibniz para explicar un montón de cosas a la perrita Daisy, como el texto no indica. También hay rituales de la Masonería de la Cucaracha, hay danzas con perros, caracoles, tortugas y cucarachas vivas, hay bailes con centollos y un cuarteto de cuerdas interpreta a Beethoven y hay mucho, mucho más, todo no indicado en el texto.

    Fragmento

    LAS CUCARACHAS COLABORAN EN LAS TAREAS DOMÉSTICAS. A SU MEDIA NARANJA EL CUERPO LE PARECÍA UNA MIERDA. EL ESQUÍ ACUÁTICO COMO HUMILLACIÓN EN PÚBLICO. EL HOMBRE CACTUS VA A LA PLAYA

    En alguna parte del mundo, quién sabe dónde, había alguien domesticando un perro. Y en alguna otra parte del mundo, quién sabe dónde, había alguien domesticando un gato. Y en otra parte del mundo, quién sabe dónde, había otro adiestrando a un chimpancé. Y en otra parte del mundo, por ahí bien lejos a tomar por culo, había otro domando un caballo. Y en otra parte del mundo, sabe Dios dónde, había alguno enseñando palabras sueltas a un papagayo. Y en algún rincón del planeta, a saber cuál, había alguien encantando a una serpiente. Y muy a tomar por culo, en una aldea de Japón, había dos padres educando a su hijo y en otro rincón del globo, en Las Vegas, había uno enseñando a leer a un Pavo Real, sin obtener resultados

    Mientras tanto, yo me dedicaba a adiestrar un nada desdeñable ejército de cucarachas

    Había fracasado con mujeres, había fracasado con niños, pero con las cucarachas se me daba bien

    No sólo no se me escapaban a los lugares roñosos y mágicos que les correspondían por ser cucarachas: las cañerías del retrete, las autopistas invisibles que hay debajo del papel de la pared

    Sino que se quedaban todas durmiendo a mi lado alrededor de la cama y tenían funciones asignadas como si fuesen las abejas de una colmena

    Conseguí, luego de un año y pico dale que te pego, establecer un orden jerárquico en el enjambre de cucarachas, hice una colmena con aquellas cucarachas, una metamorfosis de cucaracha en abeja que si la viese Maeterlinck se quedaría acojonado: mis cucarachas sabían llegar a la nevera, abrirla y traerme un botellín de Heineken

    Sabían donde estaban las zapatillas de andar por casa y se las ingeniaban para tenerlas preparadas junto a la puerta a las siete de la tarde, cuando regresaba de trabajar

    © Rodrigo García

    © Dibujo de cubierta: Arturo Iturbe

    Daisy, texto, espacio escénico y dirección de Rodrigo García, se estrenó los días 10 a 13 de septiembre de 2013 en la sala Théâtre des Haras de Annecy (Francia), con los actores Gonzalo Cunill y Juan Loriente. Cuarteto de cuerdas: Nathalie Geoffray-Canavesio (violín), Marie-Edith Renaud (violín), Clémence Guillot (viola), Noé Natorp (violoncello), músicos de la Orchestre des Pays de Savoie. Ayudante de dirección: John Romão. Creación de iluminación: Carlos Marquerie. Creación de videos: Ramón Diago. Escultura Daisy: Cyril Hatt. Espacio sonoro: Daniel Romero. Pelucas: Catherine Saint-Sever. Entrenador de perros: José-Claude Pamard. Técnico de sonido: Vincent Le Meur. Dirección técnica: Roberto Cafaggini. Apoyo técnico: Jean-Yves Papalia.

    Producción: Compañia Rodrigo García, Bonlieu Scène Nationale Annecy y La Bâtie-Festival de Genève con el apoyo del Théâtre Saint-Gervais Genève en el marco del proyecto PACT benefeciario de FEDER, programa INTERREG IV A France-Suisse.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-56-2
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS52 | Rodrigo García: Gólgota picnic

    Fragmento

    Para empezar, Cristo en la cruz toma buena nota de lo que se hará más tarde con su imagen: siendo Dios, tenía esa facultad, entraba dentro de sus posibilidades

    Podía ver el futuro, pero no participar de él

    Supo ver lo que harían con su imagen los maestros primitivos y los del Renacimiento

    Es lo primero que quiere aclarar, regresa de entre los muertos para quejarse de cómo le pintarán más tarde Grünewald, Antonello da Messina, Memling, Rubens, Bellini y otros, de menos renombre

    No está de acuerdo con nadie

    Le molestan todas las ilustraciones que se hicieron de su figura

    Es vanidoso

    Aprobaba, eso sí, el tono general de los cuadros y los frescos: habían conseguido una iconografía del terror, que, irónicamente, partía de la palabra amor

    Dirigió y protagonizó una perfecta iconografía del terror plasmada en estampas diabólicas durante siglos

    Estaba entusiasmado hasta con los rituales que en Viena hacía Hermann Nitsch allá por el siglo XX

    Arrastramos una herencia visual demasiado tormentosa, una pesadilla sobre lienzos, tablas y papel

    Si te lo propones, puede que te olvides de las palabras; pero de las imágenes no te libras

    Un Cristo en la cruz es un Cristo en la cruz, un clavo, la sangre, las heridas quedan grabadas como puñetazos en el cerebro, como si te pegara Mike Tyson

    […]

    © Rodrigo García

    Gólgota picnic, creación de Rodrigo García, se estrenó el 7 de enero de 2011 en el Teatro María Guerrero de Madrid.

    Música: Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz, de Joseph Haydn, interpretada en directo por el pianista Marino Formenti.

    Actores en escena: Gonzalo Cunill, Núria Lloansi, Juan Loriente, Juan Navarro y Jean-Benoît Ugeux. Texto, dirección y escenografía de Rodrigo García, iluminación de Carlos Marquerie, videocreación de Ramón Diago, espacio sonoro de Marc Romagosa, vestuario de Belén Montoliú, John Româo como asistente de dirección y Roberto Cafaggini como asesor técnico. Fue una producción de Centro Dramático Nacional, Théâtre Garonne de Toulouse y Festival d’Automne de París.

    Foto de cubierta: Christian Berthelot

    PVP 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-55-5
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS51 | Rodrigo García: Protegedme de lo que deseo

    Fragmento

    Yo también me siento cansado vapuleado torturado desde por la mañana temprano a primera hora torturado desde por la mañana de siempre temprano de siempre acabado al cien por ciento sin posibilidad de dar un paso más premeditándolo todo para poder continuar cuando antes hacía las cosas según mi talento mi talante con la arrogancia de un puñado de años cumplidos y una fachada intacta el cepillo de dientes el despertador dos cruasanes una vida vivida al límite los pocos años de vida todos y cada uno trabajados a destajo denigrado abofeteado humillado insultado ofendido víctima del sarcasmo muy temprano como los culturistas han trabajado el cuerpo yo he trabajado el espíritu porque escapar de la carnicería no requería menos escapar de lo que mis padres llamaban «la clientela» pensando voy a llegar muy lejos sin saber que al final llegaría hasta aquí al bar Paniza repitiéndome ocho años después nunca pensé que se podría llegar a esto fijándome en hasta dónde han llegado los otros y padeciéndolo en mis propias carnes reconociendo que todos los del bar Paniza hemos llegado a lo mismo y yo siendo todavía el más joven de los acabados de los vapuleados por la mañana temprano soy el peor de los vapuleados por lo tan temprano que ahora que lo pienso empecé yo mismo a vapulearme siendo niño por escapar de la carnicería natal y ahora dan las doce hay que salir por patas de esta oficina aterradora ocho años sin cambiar la moqueta los mismos muebles esperándome desde que dejé esa oficina aterradora riéndose la moqueta a carcajadas de mi regreso de volver después de ocho años yo había dicho lo dejo todo y pedí ver al jefe y le solté lo dejo todo y ahora vuelvo sin un chavo con el deseo de ser quien era y no se puede volver a ser el que uno era los triunfos no se premeditan trazan planes los que no tienen fuerzas atan cabos los que dudan de sus propias ideas los que saben que detrás de eso que llaman ideas hay plagio y nada más paripé proyectan planifican los que padecen flojera de espíritu y mira cómo acabé otra vez aquí la misma moqueta ocho años de vuelta a una vida común y silvestre Silvestre como el gato Silvestre y común como tú gilipollas
    © Rodrigo García

    Protegedme de lo que deseo se estrenó el 17 de abril de 1997 en la Cuarta Pared de Madrid, con dirección, dramaturgia y escenografía de Rodrigo García, iluminación de Carlos Marquerie y actuación en escena de Chete Lera, Miguel Ángel Altet, Patricia Lamas, Víctor Contreras y Fernandito.

    Imagen de cubierta: collage de Rodrigo García a partir de un fotograma del vídeo de la obra (actriz: Patricia Lamas).

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-53-1
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS50 | Claudia Faci: Construyo sobre el olvido

    UN PROYECTO DE DOCUMENTACIÓN SOBRE LA TRILOGÍA DEL DESASTRE

    LA HISTORIA Y SU ARGUMENTO

    En verano de 2009, el antiguo Teatro Pradillo se interesó por saber si yo tenía algo nuevo para ser programado ese mismo invierno. Yo respondí con una propuesta que me venía rondando la cabeza hacía algún tiempo y que consistía en invitar a varios directores a llevar a cabo algún deseo que no hubiesen podido materializar antes sobre un escenario con la única condición de que pasara por mi cuerpo y su puesta en escena tuviera lugar ante el público. A lo largo de cuatro veladas consecutivas y bajo el título genérico de PLOT, se estrenaría y se enterraría en la misma noche cada una de las creaciones. Y así fue: mi cuerpo fue atravesado por el deseo de cuatro hombres que, casualmente, soñaban con distintas formas de acariciar la idea de la muerte.

    Aquel experimento, que tenía vocación de operar como revulsivo, supuso más bien un revolcón en mi relación con el hecho teatral y pre-cipitó la escritura de un texto a través del cual me proponía des-cubrir, recortar y mostrar la forma de la huella que había dejado en mí (Esto es lo que hay, El Curro DT, mayo de 2010). Pero esto no fue suficiente para agotar el flujo de voces internas que manaba de aquella primera experiencia poniéndolo todo en cuestión. Decidí entonces abordar la escritura de una tercera parte (You name it, Antic Teatre, septiembre de 2010) y que aquello, aquellas tres propuestas que se sucederían, formarían un tríptico cuyo hilo conductor sería una especie de exploración o palpación de las formas del deseo en el ámbito de las relaciones sobre las que se sostiene el hecho teatral: si en la primera parte quise exponer cómo operaba sobre mí el deseo de los directores, en la segunda tanteé el de los espectadores ofreciendo mi cuerpo para que hicieran de él lo que quisieran y en la tercera quería que fuese mi propio deseo, el mío, quien produjese el lenguaje que me conduciría hasta ellos. Esto último, que parece muy obvio, constituía para mí un reto importante ya que me obligaba e enfrentar mis miedos burgueses y a incidir sobre relaciones morales. Como diría Alejandra Pizarnik: ¿cómo decir la violencia cuando solo se logra recordar el lenguaje de la sumisión?

    Construyo sobre el olvido tuvo su estreno absoluto en el Teatro Pradillo de Madrid el 7 de junio de 2012.

    Concepción, texto y performance: Claudia Faci.

    [ El texto incluye robos, homenajes y enmiendas a Chantal Maillard, David Foster Wallace, Alejandra Pizarnik, Jean Améry y Beatriz Preciado. Mi más sincero agradecimiento a: Antonia Jiménez, Óscar Villegas, Jaime Conde–Salazar, Getsemaní de San Marcos, Fernando Renjifo, Alberto Núñez, Roberto Baldinelli y a Antonio F. Lera, por este Pliego. C. F.]

    © Fotos: Claudia Faci (cubierta) y Miguel Ángel García

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-52-4
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS49 | Carlos Fernández López: 10.000 años

    Fragmento

    El hombre
    La mujer joven
    El pintor
    El hombre de negro

    La casa, se puede ver desde aquí, empapada por la lluvia,
    rezumando óxido y olor a madera podrida.
    Es una casa marrón, junto a un lago.

    La escena es un camino que baja desde lo alto de una loma y se acerca a la casa.
    Hay que hacerlo despacio, como quien se acerca a un animal herido y tendido, agonizando y respirando con dificultad.

    La noche se está echando encima
    y una oscuridad azulada dibuja los contornos de las cosas
    y resalta la presencia metálica del lago.

    Esa es la casa, iluminada por dentro,
    sombras inquietas que aparecen y desaparecen en las ventanas.

    Nos acercamos
    y a medida que lo hacemos podemos ver la tierra levantada,
    llena de grandes agujeros, grúas y palas excavadoras, camiones cargados de tierra.
    Y unos hombres cubiertos con trajes de plástico, corriendo de un lado a otro,
    gritando y escupiendo.

    Nos acercamos.
    Y podemos intuir el fuego dentro de la casa,
    el fuego como única fuente de luz y calor,
    que entristece los rostros de todos los que están dentro,
    que agranda las manchas en las paredes de madera,
    y las hace parecer pústulas del tiempo.

    La escena es un cuadro inmenso de una casa marrón junto a un lago
    y la noche llegando vertiginosa.

    © Texto: Carlos Fernández López

    © Fotos: Susana Paiva

    10.000 años se estrenó los días 8 y 9 de agosto de 2008 en el festival Citemor (Montemor-o-Velho, Portugal), con texto y dirección escénica de Carlos Fernández López, dirección musical de Nilo Gallego, intérpretes y músicos Elena Alonso, Miguel Ángel Altet, Enrique Castro, Ikerne Giménez, Sara Martín y Emilio Tomé.

    [ 10.000 años es la historia de una demolición. Asistimos al último acto de la vida de un hombre desahuciado física y mentalmente. La casa en la que vive desde hace años va a ser destruida y su último deseo es desaparecer con ella y en ella, bajo los escombros. Varias personas le acompañan en su última noche, preparados para darle una buena fiesta de despedida, con música, alcohol y fuego para purificarlo todo. Con la historia de la destrucción bíblica de la ciudad de Jericó como fondo alegórico, 10.000 años es una narración musical cuyo relato gira en torno a los recuerdos y la demolición de la memoria. Las voces de los personajes se tejen con el sonido de los instrumentos, creando un poema escénico-musical en el que la palabra y la música son los elementos principales, antídotos contra la destrucción de la memoria y contra la muerte. En 10.000 años se habla de la memoria como un espacio intangible de habitabilidad y convivencia. De los recuerdos como piedras frágiles que edifican el pasado y el presente, desfigurados por el tiempo, la acumulación de imágenes, el ruido, los sentimientos. ]

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-51-7
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS48 | Carlos Marquerie: 28 buitres vuelan sobre mi cabeza

    Otoño de 2011

    [El hombre abre el diario y lee]

    Veinte de octubre.

    Mi habitación está a oscuras, es grande. Me acabo de despertar. A mi derecha hay un murete de piedra que separa mi cama de unas ruinas, que parecen prolongarse más allá de lo que alcanza a ver la vista. Todo está en silencio, por el aire transita una luz oscura, y un reflejo sombrío proviene de las ruinas. Con cierta algarabía, desde las sombras entra una mujer alta, zapatos de tacón y un vestido amplio, estampado con grandes flores de colores. La falda muy corta deja ver unas piernas largas y fibrosas, en las que se dibujan sus músculos con claridad. Al observarla con detenimiento veo que su expresión no cambia y que la tersura de la piel de su rostro es extraña. Parece como si llevara una máscara interior que tensa la piel desde dentro, pero que sufre alguna imperfección dejando la piel lacia y arrugada en los bordes.

    Me levanto y la agarro por la cintura ciñendo su vestido y compruebo que su cuerpo es fuerte. Con facilidad cruza su brazo por encima de mis hombros. Salimos de la habitación. Una luz dorada inunda unas escaleras de piedra, amplias y profundas, que conducen a una oscuridad que se pierde de manera incomprensible. Bajamos y al llegar al segundo tramo me doy cuenta de que en vez de pisar nos deslizamos con velocidad. Todo me resulta placentero, el deslizarse con esa profunda sensación de vértigo y levedad, el contacto suave de su cuerpo fibroso pegado al mío, el tacto grave de mi brazo rodeando su cintura y mi mano engrandecida adherida con fuerza a su vientre.

    © Texto y dibujos: Carlos Marquerie

    28 buitres vuelan sobre mi cabeza se estrenó el 18 de enero de 2013 en el Teatro Pradillo de Madrid.

    En escena: Estefanía García, Carlos Marquerie y Getsemaní de San Marcos. Coordinación técnica de la obra y de la realización de la tarima blanca: David Benito. Marionetas: David Benito y Carlos Marquerie. Instalación y luz: Carlos Marquerie. La obra fue escrita y concebida por Carlos Marquerie y su puesta en escena es fruto de la colaboración entre los tres actores. Esta obra se ha podido realizar gracias al impulso del festival Sismo (desaparecido) y al amparo del Teatro Pradillo.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-50-0
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    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS47 | Fernando Renjifo: Mayo siglo XXI. ¿Es el fracaso un atributo del alma?

    Fragmento

    1

    El artista A. K. tiene un cuadro titulado
    Las célebres órdenes de la noche.
    En él aparece un hombre tumbado boca arriba
    sobre la tierra cuarteada,
    bajo un inmenso cielo estrellado,
    como si las estrellas se le fueran a caer encima.

    Ahí está, otra vez, después de tanto tiempo,
    el hombre ante la inmensidad.

    Era difícil volver a tener una imagen de nosotros mismos.
    No sabíamos cómo representarnos.
    No nos reconocíamos en el ruido del mundo,
    ni en las imágenes, ni en las palabras.
    Toda representación era hueca, autorreferencial, impotente, triste.

    Habíamos sido embargados de cualquier sentido profundo,
    de cualquier relación con el infinito,
    de cualquier misterio.

    El mundo estaba lleno de imágenes y de palabras,
    en las pantallas, en los periódicos, en las conversaciones,
    en los bares.
    Pero ahí no aparecíamos nosotros.

    Tiempos como espacios No nos reconocíamos.

    Todo lo que producíamos era detritus.
    Vivíamos en un mundo residual,
    lanzando gritos al vacío,
    palabras huecas,
    disputas mezquinas,
    arrastrando nuestros cuerpos acostumbrados.

    No sabíamos cómo representarnos,
    no había carnalidad para la carne,
    ni cuerpo para la palabra,
    ni palabra para el pensamiento.

    Habíamos sido robados, despojados, desfigurados, enmudecidos.
    Y no nos reconocíamos.

    No había yo, ni tú, ni ellos, ni nosotros.
    Porque yo, tú, ellos, nosotros, eran sólo defensa o acusación.

    No se puede nombrar si se olvida el misterio.
    No se puede hablar si se olvida la imposibilidad.

    Tal vez ahí nos volvamos a reconocer.

    Era difícil volver a estar ahí, sin más.
    Bajo el cielo estrellado.

    © Texto: Fernando Renjifo
    © Dibujo de cubierta: Fernando Martín-Consuegra
    © Fotos y dibujos de separata: Marta Azparren

    Mayo siglo XXI. ¿Es el fracaso un atributo del alma? se estrenó el 25 de octubre de 2012 en el Teatro Pradillo de Madrid, con Claudia Faci, Alberto Núñez e Isaac Torres. El espacio escénico contaba con obras de los artistas Javier Lozano (dibujos) y Deif Vila (escultura). La creación se realizó sin ninguna ayuda a la producción.

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-48-7
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    Correspondencia y pedidos: AF Lera

  • PLIEGOS46 | Rodrigo García: La selva es joven y está llena de vida

    Fragmento

    Mientras los tontos se contentaban con su propia fantasía, los listos acumulaban recuerdos

    El tipo de la gorrita Adidas falsa se volvió de la noche al día prosaico y se limitó a decir que si lo hacía era para evitar el ridículo

    Dejó de fantasear y de encontrar un signo aquí, un reflejo allá, y si una paloma había elegido para morir el alféizar de su ventana, se limitaba a recogerla con asco y ayudado de un pedazo de cartón la tiraba a la basura

    Para el pibe de la gorrita Adidas falsa ya no habría ni una metáfora ni una ensoñación ni una esperanza ni el asomo de un designio, todo comenzó a ser mecánico porque así lo quiso él, los colores se subyugaron a una paleta primaria y se avergonzó al recordar con qué facilidad llegaba a sorprender y sorprenderse con esa cualidad tan suya de atribuir a las cosas tonalidades desopilantes, irisaciones que no son de recibo
    Eso era antes. Ahora no tenía fuerza ni imaginación para darle al día un gris

    Y pensar que hace nada, el loco de la gorrita Adidas falsa era el mago del fulgor

    Hoy toca día completo preguntándome qué es la dignidad. Empecé por la identidad, reconociendo identidad como metáfora de poder adquisitivo Luego mezclé pensamientos relacionando identidad, dignidad y poder adquisitivo y como había bebido más de la cuenta no llegué a sacar nada en claro
    © Rodrigo García

    La selva es joven y está llena de vida es una aproximación de Rodrigo García a la obra A floresta é jovem e cheja de vida, de Luigi Nono (1924-1990). Se estrenó el 18 de abril de 2012 en la Sala Verde de los Teatros del Canal de Madrid. Texto: Rodrigo García. Música: Luigi Nono, A floresta é jovem e cheja de vida, para soprano, tres actores, clarinete, planchas y cinta magnética (1965-1966). Textos de la obra de Luigi Nono seleccionados por Giovanni Pirelli. Dirección musical: Marino Formenti. Dirección escénica: Rodrigo García.

    Actores: Juan Loriente, Agnes Mateus, Núria Lloansi. Neopercusión: Juanjo Guillem, Rafa Gálvez, Rosa Tornel, Joan Castelló, Enric Monfort. Clarinete: Carlos Gálvez. Soprano: Jihye Son. Espacio sonoro y electrónica: André Richard. Iluminación: Carlos Marquerie. Video: Daniel Iturbe. Vestuario: Belén Montoliu. Producción en Gira: Diego Lamas. Nueva producción de operadhoy. Estreno mundial. Con la colaboración de: Ayuntamiento de Infiesto (Asturias) y Théâtre Garonne (Toulouse).

    PVP: 6 euros
    ISBN: 978-84-96523-47-0
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    (sin gastos de envío en España)
    Correspondencia y pedidos: AF Lera